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Bansky es un artista del grafiti inglés que recientemente exhibe sus obras en el Museo de Arte Moderno de Bristol en una muestra titulada Bansky vs, Bristol. La mayoría de las piezas que produce este artista contienen sátira sobre política, cultura pop, moralidad, etnias y racismo. En sus grafitis combina escritura con estarcidos con plantilla, una técnica de esténcils utilizada por bandas anarco-punk en Londres a fines de los ’70.
Bansky es conocido por viajar por el mundo decorando paredes de distintas ciudades y por haber colocado su arte de modo clandestino en los principales museos del mundo: la Galería Tate Modern de Londes, el MoMa de Nueva York, el Museo de Brooklyn, el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, y el Museo Británico de Londres.
Hasta el 31 de Agosto, Bansky ocupa los salones más importantes del Museo de Bristol tomando al arte clásico como punto de partida para realizar su crítica social. Pero creo que el dato más extraño de la muestra corre por parte de Bansky sino por parte del Museo de Bristol.
La institución lanzó un comunicado de prensa –que está colocado por distintas partes del museo- cuando anunció muestra de Bansky. El comunicado afirma que el Museo de Bristol no avala ni condena ninguna forma de actividad ilegal sin importar su propósito artístico, también afirman que el personal del museo no tuvo ningún tipo de contacto con Bansky porque una comisión particular fue la encargada de organizar la muestra. Además dejan en claro que el museo, su staff, los fundadores y donantes no comparten nada de lo expresado por Bansky y le avisan al público que muchas de las obras “clásicas” expuestas en el museo son falsificaciones de Bansky.
Parte de la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León finalmente desembarcó en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y se podrá visitar durante todo el mes de Agosto de 2009.
A cargo del curador Rafael Doctor Roncero, esta muestra no pretende ser una simple presentación de obras contemporáneas en una sala de exposiciones temporales dentro de un museo. Todo lo contrario. La muestra Huésped convive con parte de la colección permanente del Bellas Artes obligando a los espectadores a recorrerla buscando las obras contemporáneas y, por momentos, sorprendiendo al espectador distraído.
Resulta interesante que la muestra no pretenda mantener una única visión argumental sino que busque mostrar los distintos espacios por los que se mueve el arte contemporáneo actual. La intención es plantear un juego entre dos instituciones muy dispares que cuentan con colecciones distantes en el espacio temporal. Desde el hall de entrada hasta el pabellón externo el visitante se va topando con diferentes obras de la Colección MUSAC.
La muestra está dividida en cinco espacios conceptuales y arquitectónicos muy diferentes. En el hall y la escalera –el espacio de bienvenida del museo- nos topamos con obras de Matías Duville, Enrique Marty y Silvia Prada. Duville es un artista argentino que expone por primera vez en Buenos Aires su mural Cover creado especialmente para el museo leonés.
En uno de los pasillos de la entrada vemos una instalación con luces de Julian Opie que simula a una mujer caminando titulada This is Kiera Wlaking. Esta obra interactúa con dibujos de Prada en los que, mezclado pop art, grafiti y minimalismo, representa a personajes de la cultura pop actual –Kate Moss, Eminem, Robbie Williams y Tom Ford- con un trazo bastante simple pero continuando el diseño sobre la pared y por fuera del marco del dibujo.
En las salas donde se encuentra parte de la colección permanente del Bellas Artes, grandes clásicos como Édouard Manet, Claude Monet y Gaugin dialogan con obras contemporáneas de artistas como Yasumasa Momisura, Gregory Crewdson, Pierre Gonord y John Gerrard. Es intrigante ver a los dibujos de la serie Disparates de Goya interactuar con fotografías de Gerrard o ver a dibujos de la serie Caprichos de Goya intercalados con dibujos de Marcel Dzama.
En otro de los espacios, frente a obras constructivistas como los Paneles de Sombra Nevel Som y a lado de obras decollage como Olímpico de Rotella, aparece una intrigante fotografía de Aziz + Cucher de su serie Dystopia: un retrato de dos personas con sus ojos y boca borrados –referentes de la fotografía con photshop contemporánea.
Seguimos nuestro recorrido y antes de entrar a la sala de exposiciones temporales nos topamos con una escultura digital de John Gerrard llamada Smoke Tree 4. Como el título anticipa, la obra es una fotografía de un árbol cuya copa está formada por humo. La pantalla que muestra esta escultura digital es móvil: el visitante puede girarla sobre su eje para ver todos los costados de este árbol humeante.
Cuando entramos a la sala, el curador de Huésped planteó una muestra con un marcado carácter crítico –en torno a la desilusión y decepción en la que se encuentra el mundo en el ámbito político, social y urbanístico- mientras repasa diferentes medios y disciplinas artísticas contemporáneas. La sala parece vacía y despojada pero al entrar nuestros oídos se inundan con alaridos: parte de la obra Boot de Tomy Oursler en la que se proyecta la imagen y sonidos de una mujer sobre una cabeza de muñeca de trapo apoyada en el zócalo de la pared entre dos botas texanas que parecen pisarla –una de las mejores obras de toda la muestra.
Otra de las obras que acaparan la atención es un video de Hiraki Sawa titulado Deweling en el que convierte una casa en una pista de aterrizaje de pequeños aviones que despegan, vuelan y aterrizan cruzándose por las habitaciones. Esta obra se complementa con dos fotografías tituladas Plane Portfolio que fueron tomadas durante la filmación.
La crítica política está a cargo de Ignasi Aballi -con obras de su serie Listados-, de Zwelethtu Mthethwa –que retrata con tres fotografías la realidad de los africanos que trabajan la caña de azúcar-, pinturas de Muntean & Rosemblum, fotografía de Andreas Gursky y de Allan Sekula que muestra las emociones que experimentan voluntarios limpiando un derrame de petróleo.
El ejemplo de instalación contemporánea está a cargo de MP & MP Rosado. Compuesta por dos figuras de personas y tres árboles Han dormido mucho en el bosque no llega a cubrir las expectativas generadas por la instalación del hall de entrada en la que Marty colocó tres esculturas de enanos contemplando la Santa Conversación de Pisano Nicolo.
Por último, en un espacio anexo a la sala se presenta una interesante selección de videos de la Colección MUSAC que, si bien son muchos, vale la pena verlos.
La muestra HUÉSPED nos acerca a casi todas las técnicas y temas utilizados por artistas contemporáneos. La forma en la que está expuesta en Bellas Artes nos obliga a repensar la tensión entre el arte clásico y el contemporáneo o la evolución del arte. Es una muestra que sorprende, descoloca al visitante que conoce el museo e invita, al que no lo conoce, a descubrirlo. Después de escuchar a dos señoras decir –perplejas- “bienvenidos al siglo XXI” mientras observaban un desnudo masculino de Sam Taylor Wood puedo afirmar que la Colección MUSAC cumplió su objetivo.Publicado en http://espanol.upiu.com/Culture/
El mundo del arte está azorado por un incidente que ocurrió en el Guggenheim de Nueva York este fin de semana. La noticia es inusual porque en lugar de sufrir el robo de una pieza invaluable, una obra de arte fue añadida clandestinamente a la colección permanente del museo.
A plena luz del día y sin que las cámaras de seguridad o el personal del museo lo notaran, el artista Mat Benote logró “obsequiarle” una de sus obras a uno de los mejores museos del mundo. Esta operación artística -sumamente audaz- fue denominada por el artista como “Grafiti de Bellas Artes”.
Benote decidió instalar esta obra en parte como una protesta por la cantidad de dinero que los museos del mundo gastan en arte. “Por ejemplo –afirma- el Museo de Arte Moderno de Los Ángeles gasta más de 20 millones de dólares para encargar una obra de arte a Jeff Koons. Creo que es una lástima que un artista haga que un museo gaste tanto dinero para adquirir una de sus obras”.
Otra de las razones detrás de Benote es su intento por mostrar al grafiti como una forma artística que, a su juicio- tiene tanto derecho a estar expuesta en un museo como cualquier otra. El artista quiso ilustrar que el grafiti puede ser una influencia positiva para la comunidad cuando es aplicado apropiadamente.
Podemos preguntarnos si este acto de Benote es una expresión artística o sólo una nueva forma de vandalismo; pero creo que antes de intentar esbozar una respuesta o formar una opinión al respecto debemos conocer más sobre este artista.
Benote es un artista conceptual que lidera el mundo del arte y el grafiti emergente. Con su obra intenta crear más y mejores posibilidades de inserción en el mundo del arte para escuelas artísticas innovadoras en teoría del arte. Aspira a poder correr los límites en lugares donde estas escuelas contemporáneas son consideradas un tabú. Para ello, incorpora a sus obras métodos característicos del grafiti matizados con técnicas de las bellas artes clásicas. El interés primordial del artista es la fusión.
Sin embargo, sus métodos han variado con el paso del tiempo ya que ha creado esculturas abstractas que ha abandonado clandestinamente en lugares donde cree que encajan mejor, sea en la calle o en un museo.
Probablemente la pregunta que nos realizamos anteriormente no tenga una única respuesta, pero creo que Benote sentirá que esa pregunta sin respuesta completa su obra. Publicado en http://espanol.upiu.com/Culture/
Quiero recomendar el libro Notas a Apocalipsis Now de Eleanor Coppola. Lo componen recortes del diario personal de la esposa de Francis Ford Coppola durante el casting, filmación y edición de Apocalipsis Now.
Eleanor, estudiante de arte, trabajó como ayudante de dirección artística de Coppola, pero después de casarse abandonó casi toda su actividad para dedicarse a criar a sus hijos y acompañar a su esposo. Después de separarse diseñó vestuarios y escenografías de la Compañía de Danza Oberlin de San Francisco y preparó varios proyectos cinematográficos e incluso ha filmado documentales sobre películas de su marido y de su hija Sofía -el documental Hearts of Darkness registra el rodaje de Apocalipsis Now-.
Este libro es el retrato de una mujer que vive a la sombra de la imagen pública, de su marido y de su hija menor; pero también es el retrato de todos aquellos que formaron parte de la película y de los mecanismos de producción, filmación y publicidad hollywoodense. Eleanor se refiere a grandes actores y productores con un tono de naturalidad tal que permite ver los detalles humanos que se ocultan en cada uno.
El libro aporta detalles enriquecedores a la película porque la autora no sólo está atenta a su marido y a las problemáticas de la ambiciosa obra sobre la Guerra de Vietnam sino que, al mismo tiempo, reflexiona sobre su propia obra, sobre sí misma, los conflictos que atormentan al cineasta, la etapa de crisis matrimonial que generan y, lo más interesante, el contacto con la gente, las culturas y lugares diversos con los que se vinculó durante la filmación de la película.
Barack Obama no sólo es culto sino que promueve el interés por la cultura y el arte en los demás. Hoy es su cumpleaños, así que para celebrarlo, veremos arte inspirado en él.
Primero hablemos un poco sobre su gobierno. Obama ha impulsado una política cultural y educativa muy interesante que se basa en tres puntos: reconocer la creatividad e innovación que caracteriza al arte norteamericano, admitir que hoy en el mundo del arte existe un nivel elevado de competitividad y la adopción de un concepto global de educación: ciencias, matemáticas, letras y arte.
Por todo esto, la administración de Obama invierte en arte y educación fortaleciendo los lazos –públicos y privados- entre las escuelas y las organizaciones culturales; creando las “Artist Corps” en las que artistas jóvenes se entrenan para trabajar en comunidades y escuelas de bajos recursos (algo que ya se implementó en Chicago con excelentes resultados); y, por último, luchando y defendiendo públicamente la importancia del arte y la educación.
También la administración de Obama está trabajando para promover la diplomacia cultural y atraer a Estados Unidos a artistas extranjeros para crear un modo de aprendizaje artístico bilateral.
Sin embargo, Obama contribuyó –quizás en mayor medida- al arte contemporáneo de un modo indirecto. Su imagen es utilizada por miles de artistas jóvenes como fuente de inspiración, algo que quizás haya comenzado con el conocidísimo afiche realizado por Obey. Esta página Art of Obama recibe y publica obras de artistas inspirados por Obama. Todo este movimiento artístico es absolutamente novedoso porque no hay registro en la historia del arte contemporáneo de un líder político que haya sido capaz de generar una corriente artística como ésta.
Algunos estarán pensado en la imagen de John F. Kennedy que también fue muy utilizada en el arte pop de los ’60 y ’70 (Warhol, Rauschenberg y Picasso son sólo algunos ejemplos). Pero lo que no ocurrió con Kennedy y sí pasa con Obama es la espontaneidad, frescura y sub-cultura detrás de las obras: muchos jóvenes se volcaron al arte durante la campaña presidencial pintando grafitis y afiches, tantos otros lo están haciendo en este momento. A diferencia de lo que ocurrió con Kennedy, los artistas del mainstream no son los que representan a Obama, sino que son los emergentes.
Entonces, ya sea mediante sus políticas culturales y educativas o influyendo en una camada de artistas emergentes, Obama es un referente para el mundo del arte actual. (Las obras de arriba son del sitio Art of Obama)
Marlene Dumas es una artista sudafricana que, recientemente, entró en la categoría de las mujeres vivas cuya obra se vende por más de un millón de dólares. Este no es un dato menor, ni tampoco un dato frívolo, porque hoy en día formar parte del mundo del arte implica participar activamente del mercado del arte. El ejemplo de Dumas es muy claro.
En Junio de 2008, después de ingresar en el selecto grupo de “los mejor vendidos”, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles realizó una retrospectiva con su obra titulada “Midiendo tu propia tumba”. Luego, esta retrospectiva fue mudada al Museo de Arte Moderno de Nueva York para que los coleccionistas, marchands y galeristas pudieran observar de cerca las obras que más tarde –en la subasta de noviembre de Christie’s- compraron por más de un millón de dólares.
Dumas pinta retratos de chicos y escenas eróticas para impactar al mundo del arte contemporáneo; pero, cuando le preguntan por la edad de la niña desnuda en su cuadro ella responde: no es una niña, es una pintura. Esta respuesta concisa y aguda resulta hasta filosófica porque Dumas alude a la vida de la pintura y no a la vida de la niña modelo.
Suele trabajar sus pinturas con base en la fotografía; “la pintura es sobre los trazos del gesto humano” –ha dicho- y, este gesto, está cargado de un erotismo manifiesto en los vínculos humanos. Dumas selecciona polaroids de sus amigos y amantes para después pintarlas. También utiliza imágenes pornográficas pero, de nuevo, estas pinturas no son pornografía, son pintura.
Cuando Dumas pinta utilizando un modelo en forma fotográfica o un modelo de la vida real, éstos se convierten en temas para ser experimentados. Para ella la desnudez es algo completamente diferente a eso calificado como “desnudo”, algo que ha aclarado con la obra La particularidad de la desnudez: “no era el desnudo lo que yo buscaba, no era la figura en actitud de posar, sino la condición erótica de la vida que estaba atrás”.
No es una novedad que el street art está operando dentro del mercado del arte, sin embargo, las muestras de grafitis e intervenciones callejeras siguen dando de que hablar. La pareja de fotógrafos Jim y Karla Murray, en colaboración con el grupo de artistas Gawker exhibieron su arte en la terraza del espacio Gawker Media en Nueva York.
